Bruce Nauman wurde 1941 in Fort Wayne, Indiana, geboren, wuchs in der Nähe von Milwaukee, Wisconsin, auf und lebt seit Ende der 1970er-Jahre in New Mexico. Er studierte Mathematik, Musik und Physik an der University of Wisconsin–Madison, bevor er zur bildenden Kunst wechselte. 1966 schloss er sein Studium an der University of California, Davis, unter anderem bei William Wiley mit einem Master of Fine Arts in Skulptur ab.

Im selben Jahr erfolgte Naumans erste Einzelausstellung in der Nicholas Wilder Gallery, Los Angeles, es folgten 1968 weitere in Galerien in New York und Düsseldorf. Auch international fand Nauman früh Beachtung. Nach einer ersten Teilnahme an der documenta in Kassel (1968) war er in wegweisenden Gruppenausstellungen wie «Anti-Illusion: Procedures / Materials» im Whitney Museum of American Art, New York, oder «When Attitudes Become Form» in der Kunsthalle Bern (beide 1969) vertreten. 1972 bis 1973 richteten das Los Angeles County Museum of Art und das Whitney Museum of American Art in New York eine erste retrospektiv angelegte Museumsausstellung aus.

Neben einer umfangreichen Präsentation des zeichnerischen Œuvres – 1986 vom Museum für Gegenwartskunst in Basel organisiert –, initiierte das Walker Art Center, Minneapolis, 1994 eine umfangreiche Retrospektive des gesamten Werks. Beide wurden in weiteren Museen in den USA und in Europa gezeigt. Es folgten Einzelausstellungen wie 2004 «Raw Materials» in der Tate Modern in London; im selben Jahr wurde der Künstler mit dem Praemium Imperiale für Skulptur der Japan Art Association ausgezeichnet. Naumans Arbeiten waren in zahlreichen internationalen Gruppenausstellungen vertreten und wurden mehrfach an der documenta in Kassel und an der Biennale Venedig gezeigt, wo er 2009 den amerikanischen Pavillon bespielte und nach 1999 zum zweiten Mal mit dem Goldenen Löwen ausgezeichnet wurde. Über zwei Jahrzehnte nach der letzten grossen Retrospektive ermöglicht «Bruce Nauman: Disappearing Acts» im Schaulager, Basel, und im Museum of Modern Art, New York, einen umfangreichen Einblick in das medial breit gefächerte Werk und in sämtliche Schaffensphasen des über 50 Jahre umfassenden Werks von Bruce Nauman.

In Basel wurden die Tendenzen in der Kunst der späten 1960er-Jahre interessiert verfolgt; Werke der amerikanischen Minimal Art und Konzeptkunst, aber auch Arbeiten von Joseph Beuys, die sich völlig neuer Ausdrucksmittel bedienten, fanden hier ein Publikum und erhitzten zuweilen die Gemüter. Und schon bald wurde man auch hier auf den jungen Amerikaner Bruce Nauman aufmerksam. Bereits in den frühen 1970er-Jahren erwarben das Kunstmuseum unter der Leitung von Franz Meyer und die Emanuel Hoffmann-Stiftung frühe Filme, Skulpturen und Zeichnungen des Künstlers. So gelangten 1973 ein Konvolut von insgesamt 16 Zeichnungen sowie ein Jahr später die ersten Skulpturen in die Sammlung der Emanuel Hoffmann-Stiftung. Die Zeichnungen befinden sich seither als Deposita im Kupferstichkabinett der Öffentlichen Kunstsammlung.

Im Lauf der Vorbereitung dieser Ausstellung – fast 25 Jahre nach der Nauman-Retrospektive, die ich 1994 mitorganisiert hatte – stiess ich jedoch zufällig auf logische Übereinstimmungen, die mir bis dahin entgangen waren. Zu meiner Überraschung entdeckte ich ein Muster, das eine in sich leicht widersprüchliche Alternative zum gängigen Narrativ darstellt: Tatsächlich bilden die vielfältigen Erscheinungsweisen des «Verschwindens» einen durchgehenden roten Faden in Naumans Schaffen; sie weckten und fesselten seine emotionale, intellektuelle und formale Aufmerksamkeit von seinen letzten Studienjahren bis heute.

Das Verschwinden als Handlung, Konzept, Wahrnehmungstest, magischer Trick, Arbeitsmethode und Metapher war für Naumans Kunst stets ein nützliches Stichwort von bleibender Gültigkeit. Auch enge Verwandte des Verschwindens – das Abwesende, die Leere und damit einhergehende Gefühle der Nichtexistenz, des Beraubt- oder Ausgeschlossenseins – treten in zahlreichen Formen auf. Sie werden beispielsweise in Leerstellen sichtbar, die der Grösse von Körperteilen entsprechen, im Raum unter einem Stuhl, im Selbst, das gerade um eine Ecke entschwindet, in den nächtlichen Vorgängen im leeren Atelier oder in den geistigen Blockaden, welche die Fähigkeit zu kreativem Schaffen unterminieren. Das Verschwinden ist also ein reales Phänomen und zugleich eine wunderbar weit gefasste Metapher für den Kampf gegen die mit dem kreativen Prozess, aber auch mit unserer Orientierung im Alltagsleben verbundenen Ängste.

Nauman lässt die Dinge für vielfältige, oftmals widersprüchliche Auffassungen offen und stellt so die Bereitschaft des Publikums, die Sicherheit des Gewohnten aufzugeben, wiederholt auf die Probe. Wenn wir uns durch seine Environments bewegen oder vor einer Zeichnung wie Make Me Think Me (1993) stehen, beginnen wir, uns unweigerlich zu fragen, was es eigentlich heisst, aufmerksam zu sein – in der Welt zu sein. Indem Naumans Kunst die Art und Weise, wie Konventionen festgeschrieben werden, infrage stellt, zerstört sie jegliche Gewissheit und fordert uns auf, unsere eigenen Bedeutungen selbst zu erarbeiten, statt den gewohnten Regeln zu folgen. Genau an diesem Punkt, so lehrt uns sein Werk, beginnt die Freiheit.

Kathy Halbreich

Den Auftakt zur Ausstellung macht Venice Fountains (2007). Das an ein Readymade erinnernde Werk besteht aus zwei einfachen Waschbecken, wie man sie in jeder Werkstatt antreffen kann. Durch transparente Schläuche fliesst Wasser in ständigem Kreislauf durch verkehrt herum platzierte Masken: Abgüsse des Gesichts des Künstlers aus Wachs und Gips. Die krude Skulptur steht gewissermassen als Porträt des abwesenden Künstlers am Eingang zu einer Präsentation, die dem Motiv des Verschwindens und des Entzugs nachgeht. Mit den Brunnen greift Nauman auf einen Topos zurück, der schon in den frühesten Werken des jungen Künstlers auftaucht. In der Befragung des eigenen Tuns und der Reflexion darüber, was einen «wahren» Künstler ausmacht, wird der Springbrunnen für Nauman zum Sinnbild, anhand dessen er tradierte Vorstellungen vom Künstler als Genie und Quell schöpferischer Kreativität befragt und ironisch aufbricht – etwa schon in der buchstäblichen Verkörperung als wasserspeiende Brunnenfigur in Myself as a Marble Fountain (1967).